miércoles, 30 de julio de 2014

Estreno 31 Julio : Guardianes de la Galaxia.

De Marvel, el estudio creador de las mundialmente exitosas franquicias de Iron Man, Thor, Capitán América y The Avengers: Los Vengadores, llega un nuevo equipo: “Guardianes de la Galaxia”. Una aventura épica espacial llena de acción que promete sorprender a todo el público por la sorprendente puesta en escena, con asombrosos efectos especiales y cuenta con las actuaciones deChris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista; con Vin Diesel en la voz de Groot, Bradley Cooper en la voz de Rocket, entre otros.
Peter Quill, el temerario aventurero y protagonista de la película,  se convierte en presa de una implacable cacería de recompensa después de robar una misteriosa esfera codiciada por Ronan, un poderoso villano con ambiciones que amenazan a todo el universo. Para evadir al persistente Ronan, Quill se ve forzado a hacer una incómoda tregua con un cuarteto de dispares inadaptados: Rocket, un mapache pistolero; Groot, un humanoide con forma de árbol; la mortal y enigmática Gamora y el siempre sediento de venganza Drax el Destructor. Cuando Quill descubre el verdadero poder de la esfera y la amenaza que ésta representa para el cosmos, debe hacer todo lo posible para reunir a sus heterogéneos rivales para una última y desesperada misión, con el destino de la galaxia en juego.

El Comic de “Guardianes de la Galaxia”, apareció por primera vez en la edición número 18 (enero de 1969) de los libros de cómics Marvel Super-Heroes siendo llevada después de casi 45 años a la pantalla grande de la mano de James Gunn, director de Super y Slither, . Además, la historia es de Nicole Perlman y James Gunn, con guion de James Gunn. Guardianes de la Galaxia”, de Marvel, llegará a las salas peruanas este 31 de julio

18º Festival de Cine de Lima: Del 08 al 16 Agosto. Venta de Entradas desde el 01 de agosto.


 La inauguración del Festival se realizará en el Gran Teatro Nacional. Programaciòn en www.festivaldelima.com
- Las entradas saldrán a la venta el viernes 1 de agosto, desde las 9:30 a.m. en la Boletería del CCPUCP (Av. Camino Real 1075 San Isidro – Telf. 616-1616), y en Cineplanet Alcázar (Aló Planet: 452-7000).

Estreno 14 Agosto: La comedia Nuestro Video Prohibido.

Sony Pictures sorprende con una nueva y divertida producción basada en una alocada noche de aventura. “Nuestro video prohibido” llega a las salas este 14 de Agosto y cuenta la historia de una pareja de casados, Jay (Jason Segel) y Annie (Cameron Díaz), que a través de los años sienten que cualquier esfuerzo es inútil para reavivar la pasión.En "Nuestro video prohibido", Díaz y Segal interpretan a un matrimonio aburrido que decide sazonar su relación filmando un video sexual. Esto parece una gran idea, hasta que descubren que su video más privado se volvió público y ambos intentan recuperarlo a toda costa.

Jake Kasdan,  es el director y encargado de llevar esta cinta de género comedia a las pantallas que reúne estrellas del cine, cuyos proyectos más recientes son: “New Girl” “Ben and Kate” “"Fresh Off the Boat" entre otros. Es uno de sus mayores éxitos en la televisión. El guion es de Kate Angelo,guionista de  “The Back-up Plan”, protagonizada por Jennifer López, así como “Looking for Happy” “What About Brian”, “Will & Grace” entre otros. El estreno de “Nuestro video prohibido” está previsto para el 14 de Agosto en todas las salas del país.

Estreno 25 Setiembre: Maze Runner, correr o morir.


La película que está basada en el popular libro para adolescentes del mismo nombre escrito por James Dashner es dirigida por Wes Ball y protagonizada por los jóvenes actores Dylan O’Brien, Kaya Scodelario, Will Poulter y Thomas Brodie-Sangster .MAZE RUNNER : CORRER O MORIR nos lleva a vivir fuertes emociones, en la que un grupo de jóvenes tienen que pasar una serie de pruebas para poder escapar de un laberinto en el que se encuentran atrapados y sobrevivir. Todo empieza cuando Thomas (O'Brien) despierta sin poder recordar el mundo exterior, salvo extraños sueños sobre una misteriosa organización llamada C.R.U.E.L. Él se encuentra atrapado en un laberinto enorme, junto con otro grupo de muchachos, y solo juntando fragmentos de su pasado, con las pistas que descubre en el laberinto, tiene la esperanza de descubrir su verdadero propósito y encontrar la forma de escapar y sobrevivir. El estreno de MAZE RUNNER : CORRER O MORIR es el 25 de setiembre a nivel nacional.

domingo, 27 de julio de 2014

Conferencia de prensa Viejos Amigos - agendatv .Estreno 14 Agosto.


Critica: Carrie, de Kimberly Pierce.

Por: Gisella G.Barthè. 
Carrie es un remeake  de la genial Carrie de Brian de Palma, nada que ver con este film dirigido por Kimberly Pierce protagonizada por Chloë Grace Moretz, muy lejano a la soberbia actuación de una joven Sisie Spacek en esta oprtunidad como madre a la actriz Julianne Moore, que luce neuròtica y poco convincente, realmente todo en la pelicula es flojo; Carrie (2013) es película que languidece por ausencia de creatividad: su historia es contada sin mayor imaginación y sin hondura dramática. Todo es esquemático con esta película. Se limita a la historia de la muchachita que, en el colegio, es motivo de burla de sus compañeras y que, en la casa, es la víctima del fanatismo religioso de una madre sin cordura alguna. Cuando Carrie, la muchachita, decide tomar en sus manos su propio  destino, la tragedia le vendrá desde lo que le hacen los demás y de sí misma, por sus poderes telequinésicos llevados a la venganza violenta. Incluso, en un momento así, el filme sigue siendo del todo cajonero, sin ninguna creatividad especial. No hay intensidad dramática, ni creatividad formal (estética), ni la música ni la fotografía destacan. poco queda para que uno se anime a recomendarles esta película. lo novedoso de Carrie (2013) podría ser útil para cineforos con adolescentes, es la presencia de eso que ahora llaman bullying , hostigamiento llevado al maltrato psicológico propio de esta era tecnológica.+
                                        

Critica de El Evangelio de la Carne

Por: Gisella Gastiaburú Barthé

El evangelio de la carne es la película mas lograda del cineasta Eduardo Mendoza, un trabajo de tiempos; mezclando pasado presente y futuro. Con una dirección de actores correcta; es lo mas rescatable de la película. Entretenida para un público masivo, mezclando historias paralelas, poniendo a la fe como nudo central; basado en el mes octubre; el mes morado. Son personajes que han sido tocados por problemas personales que los agobian; haciendo cualquier cosa con tal de curar errores, Gamarra (Giovanni Ciccia)es un policía estafado con dólares falsos, que servia para salvar la vida de su esposa que sufre de una enfermedad desconocida, estafado por Narciso (un descubrimiento actoral) Sebastian Montechgirfo; quien es líder del comando norte de la barra de la U, trabaja de cambista y hace de todo por sacar a su hermano menor de edad de la cárcel antes que sea trasladado a un penal de mayores por un error fortuito, ayudado por Félix (Emanuel Soriano) con una actuación soberbia, es un hombre agobiado por la culpa de haber causado la muerte de siete personas, por manejar ebrio en un bus interprovincial. Es el encargado de pintar los dólares falsos.

El film no cierra el circulo porque hay redundancias narrativas,  con una fotografía muy lavada, quizás por querer dar un nivel de realidad se pierde lo visual perdiendo atmosfera y contrates estético con algunos detalles de imágenes incongruentes, sobrecarga emotiva, con un final de telenovela de los años 80, redundando en el melodrama, usando Albinoni equivocadamente, perdiendo sinceridad emocional.

                                           





jueves, 24 de julio de 2014

Estreno 31 Julio: Guardianes de la Galaxia.

De Marvel, el estudio creador de las mundialmente exitosas franquicias de Iron Man, Thor, Capitán América y The Avengers: Los Vengadores, llega un nuevo equipo: “Guardianes de la Galaxia”. Una aventura épica espacial llena de acción que promete sorprender a todo el público por la sorprendente puesta en escena, con asombrosos efectos especiales y cuenta con las actuaciones deChris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista; con Vin Diesel en la voz de Groot, Bradley Cooper en la voz de Rocket, entre otros.
Peter Quill, el temerario aventurero y protagonista de la película,  se convierte en presa de una implacable cacería de recompensa después de robar una misteriosa esfera codiciada por Ronan, un poderoso villano con ambiciones que amenazan a todo el universo. Para evadir al persistente Ronan, Quill se ve forzado a hacer una incómoda tregua con un cuarteto de dispares inadaptados: Rocket, un mapache pistolero; Groot, un humanoide con forma de árbol; la mortal y enigmática Gamora y el siempre sediento de venganza Drax el Destructor. Cuando Quill descubre el verdadero poder de la esfera y la amenaza que ésta representa para el cosmos, debe hacer todo lo posible para reunir a sus heterogéneos rivales para una última y desesperada misión, con el destino de la galaxia en juego.

El Comic de “Guardianes de la Galaxia”, apareció por primera vez en la edición número 18 (enero de 1969) de los libros de cómics Marvel Super-Heroes siendo llevada después de casi 45 años a la pantalla grande de la mano de James Gunn, director de SuperSlither, . Además, la historia es de Nicole Perlman y James Gunn, con guion de James Gunn. Guardianes de la Galaxia”, de Marvel,llegará a las salas peruanas este 31 de julio.

Del 08 al 16 Agosto : 18º Festival de Cine de Lima PUCP.

Gael Garcia Bernal, estarà presente a traves de peliculas de la Muestra Ambulante. Màs informaciòn en: www.festivaldelima.com

Estreno 28 Agosto: El Demonio de los andes, de Palito Ortega Matute.

El cine peruano sigue en su mejor momento, grandes propuestas cinematográficas tienen estreno durante lo que queda del 2014 y una de estas, es la película nacional El Demonio de los Andes dirigida por Palito Ortega Matute, ganador de galardones de talla internacional por películas como El rincón de los inocentes, El Pecado, La casa rosada, entre otras. El Demonio de los Andes, es una película basada en la mitología andina y tradición oral "Jarjacha": zoomorfosis ‘originada’ por el pecado del incesto. El director ha tomado como referencia testimonios de personas que dicen haber visto al mítico demonio y quienes han sido oyentes de narraciones de sus padres y abuelos quienes se han encargado de trasladar hasta el día de hoy esta espeluznante leyenda.
Dentro del elenco tenemos a figuras como Titi Plaza, Rodrigo Viaggio, Mayella Lloclla , Alesandra Denegri, Jhony Mendoza, entre otros actores niños y adultos de Ayacucho donde fue rodada parte de la película.El demonio de los Andes llega a los cines en Agosto, listo para sumarnos en una experiencia terrorífica. SINOPSIS: En una atmósfera festiva en Huamanga, Clara  decide contraer matrimonio para el cual  llegan desde Lima su prima Alexandra y Daniel, pretendiente de Alexa, para participar de la boda. Samanta, prima de Clara y Alexandra, que ha viajado por trabajo a esa ciudad, es la madrina de la boda y organiza todos los preparativos, pero Clara es salvajemente asesinada al igual que decenas de víctimas.
                                                       
Nadie se explica de los sucesos, inclusive las investigaciones policiales entran en confusión al no encontrar evidencias de las muertes, pero un sueño de Samanta revela el misterio, se trata de un monstruo demoniaco llamado “Jarjacha” que está matando a los ciudadanos. Con la ayuda de un “curandero”  ubicaran, en una comunidad lejana,  a dos maestros expertos  en seres demoniacos, junto  a ellos  deben capturar y matar  al Jarjacha  para que las almas de Clara y las víctimas descansen en paz. Una larga noche llena de muertes ocasionada por Jarjacha culmina con la captura del Demonio de los Andes, hecho que traerá consigo una reveladora y amarga verdad.

martes, 22 de julio de 2014

Estreno 24 Julio: El Planeta de los Simios. Confrontaciòn.




Los simios han ganado. En efecto, ahora parecen gobernar la Tierra, después de que un virus, conocido como la gripe simia, ha aniquilado a casi todos los humanos. César lidera ahora un enclave de primates con sus propias reglas, donde han creado una pequeña civilización. Pero algunos humanos han quedado, rebeldes, y también buscan un espacio donde vivir. Si bien un acuerdo parece posible, pronto monos y humanos estarán al borde de una guerra por ver quién tiene el control.(Datos de El comercio,secciòn Luces-18-07-2014


3º Festival de cine Lima Independiente. White epilepsy; de Philippe Grandrieux,The Act of Killing, de Joshua Oppenheimer


Por: Gisella Gastiaburu Barthè.

Podría empezar a decir una sola cosa un film de sensaciones auditiva y visual; que parece una metamorfosis kafkiana; una lucha de dos sexos; hombre y mujer poderes de movimientos densos, como una danza moderna al estilo Pina bauch; una hora de cuerpos en lucha interior; el cineasta aún osa mantenerse dentro de su más grande obsesión: las posibilidades del cuerpo y su estallido. Como en Sombre o en La vie nouvelle, Grandrieux nuevamente va a centrarse en lo corporal, ya como prisión o simplemente como lo irremediable, como una cápsula de cuyo interior asoma la animalidad en estado original o arcaico, y en el extremo, la indiferencia del insecto (incluso un episodio de White Epilepsy recuerda el rito de una mantis religiosa en plena barbarie o la simple pasividad de la víctima, lo que también remite a la escena antológica de La vie Nouvelle, donde el personaje de Anna Mouglalis muta en una suerte de animal en cautiverio, o a los protagonistas de Sombre o Un lac juegos de poder de sexos opuestos. Belleza de estética en un rectangular de pantalla.

En White Epilepsy solo hay cuerpos y noche, cuatro cuerpos en un ritmo ralentizado que no impide percibir el aturdimiento o el desfase, como para estar atentos a sus texturas, movimientos, caídas y entrega. el grito de la lucidez, luego de que veamos a través de una serie de episodios o escenas como un cuerpo solitario, en medio de un campo abierto y en plena oscuridad, reconoce a su otro: una mujer con la cual comenzará la batalla. Esta absorción, de la mujer que intenta engullir al hombre, lo que no excluye los ritos eróticos de fuerza y lucha, sin satisfacción, va a hurgar no solo en un juego caníbal sino en la afirmación de lo femenino y su conciencia brutal en el grito del rostro y sangre. Sin embargo, luego del clímax, Grandrieux corona su propuesta con un final desolador: luego de la lucha de los cuerpos, del triunfo de uno sobre el otro, del grito liberador o la conciencia de lo salvaje, está la penumbra y el ocaso, la vejez de los cuerpos a la espera de la muerte.

The Act of Killing explora la parte oscura y atroz del ser humano, obligándole a enfrentarse con sus actos, aunque estos hayan prescrito según los códigos internacionales. Es una película sobre el recuerdo, y sobre el alma. Sobre la justicia y las cargas de cada uno. Sobre la oscuridad y la asunción. Basada en el Golpe de Estado de 1965 en Indonesia, por el que una serie de paramilitares se convirtió en una élite con poderes para tomarse la justicia con su mano, y matar a miles de presuntos comunistas. La película nos muestra a estos hombres casi medio siglo después, y se les da la oportunidad de que recreen sus actos, de que ilustren su sadismo y su crueldad. Algo a lo que, sorprendentemente, acceden encantados.
De este modo tenemos como un doble film, una especie de mezcolanza entre el cine dentro del cine y el documental. Se permitirá que estos paramilitares hagan una especie de película, en la que ellos mismos actúan, para demostrar lo que hacían, mientras son grabados durante el rodaje para ver cómo les va afectando esa recreación de los hechos.  Casi un experimento sociológico.
No es una película agradable de ver, habida cuenta de que todo lo que se narra con la precisión de un carnicero que hace su trabajo, como torturaron y dieron muerte a miles de personas, haciendo daño con alegría y ligereza. Se trata de entender las motivaciones de estos hombres (Curiosamente, la mayoría de ellos coinciden en que su gran referente para la crueldad era el cine de Hollywood, con las películas de actores como Al Pacino. Sus modelos a seguir) y se les insta a que enfrenten a sus fantasmas.
Algunos de ellos cuentan sus historias de marginación y autodeterminación, hasta conseguir hacerse un puesto haciendo daño a aquellos que le rechazaron. Otros, simplemente, parecen lejanos a toda inteligencia, se guían por instintos, como los animales. Hay incluso personajes que no sienten remordimientos, y a los que conceptos como Derechos Humanos les parecen baladíes.
Sin duda el caso más interesante, y en el que se centra la película, es el de Anwar Congo, que parece un venerable anciano y que nos va contando como quería imitar a los gangsters que veía en la gran pantalla, como solo se preocupaba por su apariencia y por poder hacer lo que quería (De hecho, en Indonesia hacen un juego de palabras por el que Gángster significaría “Hombre Libre”) Congo, que comienza contando muy alegremente la cantidad de personas a las que dió muerte, y sus métodos, y que, aun siendo un anciano, se preocupa más por su apariencia que por sus actos. Pero, poco a poco, a medida que en su rodaje van sintiendo el papel de víctimas por el que hacían pasar a tantas personas. Las pesadillas, los problemas físicos, el arrepentimiento, la redención, comienzan a asaltarle.
El éxito de Joshua Oppenheimer radica en enfrentar a la gente con sus actos. Siempre tiene la cámara preparada para captar el alma, la frase justa para derribar las excusas simples y las barreras mentales con las que todos se consuelan. Es una película que hay que ver, pese a tener escenas desagradablemente duras, porque se utiliza el cine como medio y como fin. La misma herramienta que se utilizó para que estos asesinos se convirtieran en lo que son, sirve ahora para hacerles darse cuenta de sus errores, de sus fallos, de todo lo que han hecho mal. Un título imprescindible que dará mucho que hablar.


3º Festival de Cine Lima Independiente : Pendejos,de Raùl Perrone. , Leviathàn, de Lucien C. Taylor y Verena Paravel.

Es un film sub-urbano, marginal; que nos muestra una sociedad juvenil argentina que divagan sus vidas entre el skeatboard y los amores; los errores de la vida..Con un trabajo en blanco y negro  muy granulado y usando la referencias del cine mudo; homenajeando a Carl Dreyer cineasta de los años 20, y otros directorescon Gus Van Sant; Coopola y una textura lúdica, nos muestran personajes solitarioscon respeto y unidos por el tiempo.  con esquemas narrativos propios del cine pre-sonoro con música e intertítulos que reflejan los escasos diálogos.

Dividida en tres actos y una coda, las historias P3NDE3JO5 son tan sencillas como universales: la cotidianidad de un skater solitario y distraído y su habitual vagabundeo; una pareja joven y la historia de un embarazo; un evento delictivo y desafortunado que termina con la muerte de dos jóvenes, destino previsible pero filmado con una inesperada elegancia.En principio, se trata de una elegía sobre skaters de Ituzaingó; su estética remite al cine mudo y es al mismo tiempo una “cumbiópera”. El neologismo podrá sonar un poco impreciso (la concepción musical omnipresente es más electrónica), pero la filiación con el cine silente excede a la mera incorporación de intertítulos para la interacción verbal de los personajes; es en la fascinación por la gestualidad de los rostros, que alcanza incluso una dimensión religiosa, en donde el film se siente en consonancia con el pasado inicial e iniciático del cine. No es descabellado entonces que se cite (y se vea) un fragmento de La pasión de Juana de Arco, de Carl T. Dreyer. 

 El elenco conformado por una docena de jóvenes actores debutantes, y una sorprendente banda sonora original que combina ópera, cumbia y dub compuesta por Nomenombres Wey, una poderosa combinación de sonidos urbanos que van desde la cumbia como género principal y recorren el Dance Hall, el Hip Hop y el Dub. Partiendo de un proyecto que viene desde Colombia Fest, fiesta de cumbia electrónica de gran convocatoria en Buenos Aires, Dj Negro Dub y Che Cumbe, ambos residentes de la fiesta, siguen con la propuesta de llevar el género de la cumbia a los públicos más diversos. Integrantes: Dj Negro Dub, Che Cumbe y dj taz. Pendejos se aferra a esta fuerte idea y con un ritmo insistente desde principio a fin no logra acercar el espectador a ningún personaje en particular. Quizás yo no este habituado al cine experimental pero no quepa duda que el film hubiera tenido un ritmo mucho más ameno si hubiera cortado una hora de sus largas dos horas y cuarenta minutos.

Gisella G.Barthè. 

Leviathán es una película documental de 2012 dirigido por Lucien Castaing-Taylor y Verena Paravel del Laboratorio de Etnografía Sensorial en la Universidad de Harvard . It is an experimental work about the North American fishing industry. Es un trabajo experimental sobre la industria pesquera norteamericana. Podría empezar con una frase del New York Times; señaló que la película "transmite la cifra brutal que la empresa tiene en los trabajadores y en el océano, e incluso podría ser leído como una parábola del medio ambiente en el que el mar amenaza con exacta de su venganza contra la humanidad. Pero nada de esto es explícito en la película, lo que evita la exposición y el contexto, se desarrolla casi en su totalidad en los bordes oscuros y, a menudo sobre la extracción alucinatorio.

Es un documental sensorial que nos sumergen a un sentir intenso físico, mental y espiritual; en un negocio visceral entre el hombre y la pesca con unas cámaras impermeables. Es envolverte en un mundo asfixiante visual y sensorial terrorífico que muestra el implacable imperialismo contra el proletariado; Los exteriores, donde aparecen gaviotas, el barco y el mar, son de una belleza absoluta., siendo testigos del choque colaborativo entre el hombre, la naturaleza y la máquina. Filmada en doce cámaras – fijas y lanzadas, pasadas de pescador a cineasta – éste es un retrato cósmico de uno de los quehaceres más antiguos de la humanidad.


El barco Leviathan es uno de los tantos que se encuentran en New Bedford, Massachusetts, pero el único que aceptó una mujer a bordo (la directora francesa), ya que se les teme por traer mala suerte. La experiencia puede ser comparable a escuchar música industrial durante horas o, para los que se marean fácil, a una tortura de proporciones infumables. No es sencilla LEVIATHAN para los espectadores, pero es absorbente.

Festival Transcinema 2013: El Mòdelo,de German Scelso, Arraianos, de Eloy Enciso., Los Ilusos de Jonàs Trueba.

EL MODELO

Una película de 45 min que el director Cordobés Germán Scelso crea una relación con Jordi, un perturbado barcelonés, malformado, que vive del subsidio estatal por incapacidad física, pero que ejerce el limosneo agresivo por el simple gusto de esquilmar al prójimo. No hay un ímpetu contemplativo en este cine, ni observacional. Scelso recurre a la acción directa, al entro metimiento desfachatado en el encuadre y en el oscuro eje de Jordi, rompiendo todo código ético y preconcebido con el objeto documental. Manipular con una moneda de un euro, creando una amistad entre director y personaje manipulándolo, sacando lo peor de él y purificando al director así resumiría El modelo, que finalmente lo que busca el director es La contravención de la ética funciona como gozne entre la realidad y el espectador. “La idea de que es posible grabar cualquier cosa, va enseñándote tus límites, tu ética”. Scelso pone así en escena un pacto complicado a tres bandas: el protagonista cree que no está siendo grabado, pero tanto el director como el espectador saben que sí; un pacto que acaba con la placidez de cualquier narración para convertirla en un acto de violencia en dos sentidos: hacia el protagonista y hacia el espectador. 


Gisella Gastiaburú Barthé.

Los ilusos de Jonás Trueba

El joven director define este trabajo como "una película sobre el deseo de hacer cine, o sobre lo que hacen algunos cineastas cuando no hacen cine; sobre perder el tiempo y el tiempo perdido; sobre conversaciones, borracheras, comidas y rutinas; sobre los paseos al salir del cine; sobre estar enamorado; sobre estar solo y estar con amigos, construyendo futuros recuerdos para una película futura". Golpeando las diferentes fórmulas existentes de hacer cine, "Los ilusos" es una película experimental hecha por gente que tenía ganas de hacer cine y que convierte Madrid en un escenario cinematográfico. Una película cuyo discurso se arma a través de especulaciones, demostrando que  las circunstancias cotidianas, habladas de manera normal, también es cine. Un ensayo fílmico que durante 93 minutos invita al espectador a reflexionar sobre el paso del tiempo, el transcurso de la vida, tomando como ejemplo el rodaje de una película de entretiempo que no depende de nada ni de nadie. Realizada en los huecos de agenda que los actores e integrantes del equipo tenían, "Los ilusos" se completa tras varios meses de trabajo sin planes de rodaje concreto y sin haberla escrito previamente.


 Arraianos,  de Eloy Enciso

Se puede resumir su habilidad para integrar en el relato cinematográfico a una comunidad rural, cuya memoria, tradición oral y formas de vida perviven y dialogan con el presente. Arraianos’ (palabra gallega que se podría traducir como ‘fronterizos’) se presenta como “el retrato de una comunidad rural en su obstinada resistencia a desaparecer”. Sus habitantes viven su día a día e interpretan su propia vida mezclada con diálogos de ‘O bosque’, una obra del escritor Marinhas del Valle. “Realidad, mitos y sueños se confunden, al tiempo que aparece un extraño anunciando una profecía. 

En este sentido, la identidad geográfica a la que hace referencia el título (los arraianos, habitantes de la frontera galaico-portuguesa) es un pretexto para hacer un film fronterizo en el sentido de la dualidad entre realidad e imaginación: lo que se imprime en la memoria como una mezcla de realidad y la construcción mítica de esa realidad”. EL DIRECTOR DIJO:“Quería hacer una película de frontera y en la frontera. Una película en la que se pudiese escuchar y tocar el idioma como nunca antes en el cine gallego y que me permitiese radiografiar esa dualidad identitaria que encarnan las dos mujeres que abren la cinta, entre el existencialismo y el descreimiento. Retratar el silencio, el verde, la humedad, la superstición, la maldición de la lluvia, el trabajo, la relación entre el hombre y el animal”.

Gisella Gastiaburú Barthé.


Festival Transcinema 2013: Inori, de Pedro Gonzàles, y Los Posibles, de Santiago Mitre y Juan Onofri.

Hoy termino transcinema para la sala arte de Larcomar, pasaron 4 películas en competencia Internacional y solo 2 destacaron una fue contemplativa Inori y la otra Lacrau  convirtiéndose en la película más lirica y poética del festival hasta ahora, empecemos con:

Inori: un film producido por Naomi Kawasi, dirigido por Pedro González Rubio ganó el Leopardo de Oro en la sección Cineastas del Presente del Festival de Locarno.de un corte contemplativa, el director mexicano (Alamar) explorar un territorio lejano a nuestro país y escasamente poblado, el pueblito de Kannogawa, ubicado en la prefectura de Nara, en Japón- son ancianos que saben muy bien que no les queda mucho tiempo de vida. la cámara manejada por el propio González-Rubio -él también es el editor- captura rutinas diarias de ancianos predestinados  a morir en soledad, solo les queda rezar, hacer la comida, trabajar en el campo, ir a visitar la tumba de alguien, mientras hablan frente a cámara o en off sobre lo que desean (una mujer quiere ir al cielo al morir), lo que añoran (el dueño de una tiendita recuerda toda la actividad que había en otros tiempos, mientras se culpa de la difícil vida que le dio a su fallecida madre) o lo que le reprochan a esos que no están (la vieja que, mientras es masajeada, habla de ese hijo ingrato que nunca la visita, cual vástago ojete sacado de alguna película de Ozu). Parece todo perfecto en la contemplación de imágenes, quizás sobro la música dramática, pero quedo una sensación de soledad complaciente.

Gisella Gastiaburú Barthé


LOS POSIBLES. Directores: Santiago Mitre y Juan Onofri.

El director de El estudiante presenta, en esta ocasión junto al coreógrafo Juan Onofri Barbato, exponen una película completamente diferente, un semi documental con una duración menor al de un largometraje convencional. El título Los posibles está compartido en realidad con el que lleva una obra de danza moderna de Onofri de características muy particulares. Un espectáculo elaborado a través de la conformación de un grupo de jóvenes de zonas barriales y suburbanas con altos estándares de desarrollo y dinamismo físico. El film cruza el cine con lo escénico, y la cámara va espiando y registrando los cuerpos en movimiento sin quedarse estática, casi acompañando la danza y esa estética marginal, gimnástica y laboral. Los desplazamientos eléctricos o cadencia dos de estos siete artistas, que en todos los casos buscan la originalidad del lenguaje corporal, van alcanzando mayor intensidad cuando reincorpora la música en vivo, partiendo esencialmente de una batería a la cual se van agregando otras sonoridades. Un final en el cual el grupo se distiende y conversa animadamente al retirarse del predio, se contrapone con la presencia solitaria de un miembro que continúa danzando, en una suerte de competencia con su sombra. Notable la música de Ramiro Cairo para una pieza fílmica atrayente e inusual.

Gisella Gastiaburú Barthé


Crìtica. Guerra Mundial Z.

El film tiene un arranque bastante apresurado sin darnos mucha explicación de lo que pasa, el caos enseguida se cierne sobre la ciudad de Philadelphia todo el mundo corre de unos seres que empiezan a atacar a la gente, es evidente que estamos frente a una película de zombies. Más allá del subgénero zombie, puedo afirmar que Guerra Mundial Z se nutre de elementos de otros géneros como el drama, la aventura y el terror, este último sobre todo en el tercer acto del film. A la película se le imposibilita abarcar de manera firme todos los temas que intenta problematizar entonces quizás esto sea el mayor punto en contra. Es una película cuyo tratamiento es liviano y pasajero. El punto de vista de la película está anclado solamente en Gerry Lane restándole importancia al resto de los personajes, esto sin  duda define porque perdemos de vista la empatía con el resto del mundo y solo nos importa lo que le pasa a Brad Pitt en una película que debería retratar los problemas acarreados por una guerra mundial.


Lo mejor que tiene Guerra Mundial Z es la banda sonora, definitivamente ese aire que llaman “space rock” que le agrega la banda Muse es el clima perfecto para un film donde todo el ambiente esta enrarecido, donde ese loop constante nos deja sin salida, casi advirtiéndonos que no tendremos ayuda o que la resolución a este problema es realmente difícil. Guerra Mundial Z no es una mala película, pero podría ser mucho mejor, no quiero cerrar esta crítica diciendo que si hubiese estado más cerca de la novela esto sería diferente, pero quizás podría haber tenido otro enfoque mucho más real.
Gisella Gastiaburú Barthé

lunes, 21 de julio de 2014

Crìtica: Los Pajaros de Alfred Hitchcock

Una de las películas más populares de la impresionante carrera del maestro británico, El film, basado en un relato de la escritora Daphne du Maurier, acierta en las escenas de ataque de los pájaros. Los pájaros supone una cierta revolución dentro de su género. No cabe duda de que es una de las mejores muestras de como usar el sonido como vehículo para crear tensión al espectador, en ocasiones impalpable o en off (las escenas del ataque desde fuera de la casa, en donde mediante el sonido se nos describe el ataque y que se recurre al mutismo tanto de diálogos como en la música, solo con efectos sonoros supervisados por Bernard Herrmann, para dotar a la escena de cierta atmósfera e incertidumbre) y, en otras, explícita y salvaje (el ataque a la salida del colegio).

 El film no está exento de las obsesiones sádicas y sexuales del maestro. Encontramos a una protagonista rubia y a otra morena, ambas casualmente enamoradas del mismo hombre (Rod Taylor), denotando más deseo que amor en sus relaciones lo cual se ve desprendido por sus personajes. También no falta en esta ocasión la madre que lucha contra su soledad y convierte ello en sobreprotección a su hijo, egoísmo y un profundo miedo a un futuro incierto sin él. El encuentro con el hombre fallecido al cual los pájaros le han arrancado los ojos, es un ejemplo de toque sádico o gore (por decirlo de alguna manera) del film.

                                       

Los Pájaros no solo contiene una buena historia, sino un enorme guión, con personajes mucho mejor perfilados y construídos de lo que parece y que aborda temas tan interesantes y abstractos como la soledad, el amor, el cariño, la ternura (sobre todo con el personaje de la niña), los celos, el cazador cazado (el ser humano) o la presa convertida en amenaza (las aves). El final del film es tremendamente poderoso en el ámbito visual e incierto pues no se nos explica como concluye la historia, Los pájaros es una obra apasionante donde el gran Alfred Hitchcock da rienda suelta a su constatada habilidad para inquietar al espectador, con un virtuosismo técnico solo a altura de los mejores directores.


Gisella Gastiaburu Barthé

Crìticas : Wolverine, y Un Lugar donde refugiarse.

 Wolverine:

Basada en la celebrada serie de cómics, esta épica acción-aventura lleva a Wolverine (Hugh Jackman), el personaje más icónico del universo X-Men. El mutante de las garras metálicas que hizo famoso a Hugh Jackman empieza la película al final de la Segunda Guerra Mundial, en un impactante prólogo en Nagasaki, justo en el momento que está por explotar la bomba. Lo que sucede en esa escena entre él y un joven soldado japonés a punto de hacerse el harakiri es lo que lo mete en este complicado entuerto nipón muchas décadas más tarde. Suerte de western fantástico, Wolverine: Inmortal tiene el encanto del héroe que se resiste a serlo, pero que no puede evitar involucrarse, incluso emotivamente, con cada situación. Hay otra buena escena cuando el relato salta elípticamente de Nagasaki a la actualidad, en la que Logan, convertido en un vagabundo del bosque, venga la muerte de un oso a manos de un grupo de cazadores en una típica cantina de ruta, que no sólo subraya la debilidad del personaje por las nobles causas perdidas, sino que remeda las clásicas trifulcas de salón. 

Igual que los héroes de Eastwood en los films de Leone, Wolverine es un forastero en rodeo ajeno que debe apelar a la astucia aun cuando la brutalidad es su mejor arma. Y hasta levanta las cejas en el momento oportuno, igual que Joe, Monco y Blondie. Jackman conoce al personaje de memoria y cada película confirma que su presencia en aquel primer episodio de 2000 fue el gran acierto de Bryan Singer. A pesar de todo eso y de algunas buenas escenas de acción (una de ellas en el techo de un tren, infaltable en un western, aunque se trate de un tren bala), la película va perdiendo densidad. Tal vez se deba a la ausencia de un villano que consiga contrapesar al héroe y dar la talla en términos dramáticos. Y, ya se sabe, no hay buenas películas de superhéroes o de vaqueros sin un buen villano.

Gisella Gastiaburú Barthé.

 
 UN LUGAR DONDE REFUGIARSE

Un lugar donde refugiarse es una película que contiene todos los clichés imaginables y previsibles del género, pero convence algún buen grupo de románticos del cine novela mexicana televisa, se deja disfrutar y la historia es llevadera.Si bien es verdad que el autor Nicholas Sparks se repite así mismo en sus novelas y en consecuencia las adaptaciones cinematográficas no pueden escapar de ello, hay que concederle al hombre que sabe hacer su trabajo muy bien y que satisface a su público. Un film engranado para el lucimiento feeling de sus personajes, bien angulados, bonitos, bien iluminados, lo único que faltaba era una corrida a lo novela Viviana de Lucia Méndez y Héctor Bonilla. Lo demás, de la historia y conflictos resultan burdos, de telenovela como ya agregué, pero siento que tiene su público de parejas románticas que creen en el amor eterno. Si deseas conquistar a tu bombom anda a verla.

Gisella Gastiaburú Barthé.


Crìticas: La Paz, de Santiago Loza, y Psicosis, de Alfred Hitchcock.

Por: Gisella Gastiaburú Barthé

El cineasta, guionista y dramaturgo cordobés Santiago Loza participó del festival, como lo hiciera años anteriores con Extraño (2003), ganadora del premio a la mejor película en los festivales de Rotterdam y 3° Bafici; Ártico (2008);Rosa Patria (2009), premio especial del jurado en 9° Bafici, y Los Labios (2010), codirigida junto a Ivan Fund, que recibió el premio a la mejor dirección en el 10º Bafici. Su prolífera y premiada carrera da cuenta del lugar que supo ganarse dentro del cine nacional. Ahora se encuentra en competencia oficial del 17 festival de Cine de Lima.
La historia es intimista y familiar, sobre Lizo; que empieza con un primer plano de el, frente a él una enfermera lo despide; a la salida se muestra a unos adres tensos a la espera de la salida del hijo y se denota que Lizo que fue dado de alta de una institución psiquiátrica. Liso pertenece a una familia de clase media alta, con una amplia y confortable casa con jardín, sin ninguna necesidad económica que lo apremie, y con una moto de regalo que lo espera. Bajo ese contexto, de protección y aparente statu quo, Liso deberá encauzar una nueva etapa de su vida. El film se divide en ocho capítulos. Cada uno de ellos representa una  secuencia de la historia del joven en relación a sus vínculos y a su nueva etapa. Lo que resulta inminente y cuasi tangible es esa  búsqueda del tiempo perdido, del espacio abandonado. Como si se hubiese detenido, quebrado. Hay una ruptura temporal y espacial en el interior de un personaje que se muestra algo aislado, intranquilo por momentos, sosegado, en otros. Liso deberá encauzar su cotidianidad para hallar la calma para su alma y sus fantasmas. Santiago Loza consigue generar un tono intimista y cálido en cada una de las escenas. Está junto a Liso en cada encuadre, lo contiene y nunca lo abandona a la suerte de sus planos. La armonía del relato simula la calma que anhela el personaje. Y ese es uno de los mejores logros de La Paz. Desde los primeros planos hasta la sobriedad de su puesta en escena, todo da cuenta de cierta soledad, del dolor escondido y de las falencias presentes, aún en un seno familiar, donde todo parece armónico y perfecto. Sin duda, la película logra hacer notorios esos hilos transparentes de las relaciones humanas que nos vinculan desde muchos lugares del afecto. 
Psicosis: 

Empezando por decir que verla por primera vez en pantalla grande fue una emoción y ver al final como a lleno total el público del cine arte de larcomar aplaude fue sensacional. Psicosis  es la película cumbre del director Alfred  Hitchcock, obra maestra absoluta que no lo parece a aquellos que sólo son capaces de aplicar su entusiasmo a grandes historias con grandes personajes, grandes diálogos y grandes lecciones de vida. Una peliculita barata, en blanco y negro, sin "estrellas", con una trama macabra, con un crimen brutal, ¿cómo va a ser una obra maestra? Pero lo es porque el que moldea la arcilla es un maestro.

"Psicosis" es cine en estado puro. Hitchcock se vale de la pureza del cine para hablar de la impureza y sus consecuencias. Hitchcock podría fácilmente ser tildado de moralista, si no fuera que se disfraza de "mago del suspense". Su mirada puede ser ardua porque no habla a través de sus personajes, que nunca son arquetipos o modelos, sino a través de la construcción formal de su obra. Hitchcock dice mostrando, por eso hay que atender al cómo. Hitchcock nos lleva a un parque de diversiones para descubrirnos de pronto la mancha del pecado. Y en esa mancha todos estamos implicados (como lo muestra claramente en, v. gr., "Stage fright").


Todos los temas hitchcoquianos están en este film, que anticipa el mundo a partir de los años '60 creando el videoclip -que no otra cosa es la escena de la ducha-, pero dándole un sentido negativo. El videoclip como la visión de un alienado (Norman Bates) y que hoy es el lenguaje establecido para desquiciar a los espectadores de todo el mundo. "Psicosis" es una de las películas más perfectas de la historia del cine.